Шпора: История музыки

французской живописи конца 1860 - начала 1870-х гг. В пору его зрелости (1870-е

- 1-я половина 1880-х гг.)

Применение термина "И." к музыке во многом условно - музыкальный И. не

составляет прямой аналогии к И. в живописи и не совпадает с ним

хронологически (время его расцвета - 90-е гг. 19 в. и 1-е десятилетие 20 в.).

Главное в музыкальном И. - передача настроений, приобретающих значение

символов, тонких психологических нюансов, тяготение к поэтической пейзажной

программности. Ему свойственны также рафинированная фантастика, поэтизация

старины, экзотика, интерес к тембровой и гармонической красочности. С

основной линией И. в живописи его роднит восторженное отношение к жизни;

моменты острых конфликтов, социальных противоречий в нём обходятся.

Классическое выражение музыкальный И. нашёл в творчестве К. Дебюсси; черты

его проявились и в музыке М. Равеля, П. Дюка, Ф. Шмитта, Ж. Ж. Роже-Дюкаса и

др. французских композиторов.

Музыкальный И. унаследовал многие особенности искусства позднего романтизма и

национальных музыкальных школ 19 в. ("Могучая кучка", Ф. Лист, Э. Григ и

др.). В то же время чёткому рельефу контуров, сугубой материальности и

перенасыщенности музыкальной палитры поздних романтиков импрессионисты

противопоставили искусство сдержанных эмоций и прозрачной, скупой фактуры,

беглую переменчивость образов.

Творчество композиторов-импрессионистов во многом обогатило выразитедьные

средства музыки, особенно сферу гармонии, достигшей большой красоты и

утончённости; усложнение аккордовых комплексов сочетается в ней с упрощением

и архаизацией ладового мышления; в оркестровке преобладают чистые краски,

капризные блики, ритмы зыбки и неуловимы. Красочность ладогармонических и

тембровых средств выдвигается на первый план: усиливается выразительное

значение каждого звука, аккорда, раскрываются неизвестные ранее возможности

расширения ладовой сферы. Особую свежесть музыке импрессионистов придавало их

частое обращение к песенно-танцевальным жанрам, к элементам музыкального

языка народов Востока, Испании, ранних форм негритянского джаза.

В начале 20 в. музыкальный И. распространился за пределы Франции. Его

оригинально развивали М. де Фалья в Испании, А. Казелла и О. Респиги в

Италии. Самобытные черты присущи английскому музыкальному И. с его "северной"

пейзажностью (Ф. Делиус) или пряной экзотикой (С. Скотт). В Польше

экзотическую линию музыкального И. представлял К. Шимановский (до 1920),

тяготевший к ультрарафинированным образам античности и Древнего Востока.

Влияние эстетики И. на рубеже 20 в. испытали и некоторые русские композиторы,

в частности А. Н. Скрябин, на которого воздействовал одновременно и

символизм; в русле русского И., причудливо сочетавшегося с влиянием школы Н.

А. Римского-Корсакова, начинал свой путь И. Ф. Стравинский, в последующие

годы возглавивший антиимпрессионистскую тенденцию в западноевропейской

музыке.

Ференц Лист (1811-1886)Очень яркая и многогранная романтическая личность

2-й половины 19-го века. Гениальный пианист и композитор. Новатор. Музыкальный

критик, который написал много статей о музыке (“Письма странствующего

бакалавра”, “Исследование музыки венгерских цыган”). Лист – педагог огромного

масштаба. За жизнь у него было около 300 учеников из разных стран. Будучи

бескорыстным по натуре, он посвятил большую часть своей жизни пропаганде других

композиторов. Всего у Листа около 1200 произведений. Примерно половина из них –

транскрипции и парафразы на темы других композиторов. Он поддерживал

композиторов разных национальных школ: Шопена, Сметану, Грига, Шумана, Вагнера,

Берлиоза, Бородина, Римского-Корсакова. Лист очень любил кучкистов.

Родился Лист в Венгрии. По национальности – венгр. Многие его произведения

связаны с Венгрией. Элементы народных танцев и песен вошли в его

произведения, обогащённые общеевропейскими достижениями, но есть и элементы

венгерского фольклора. Произведения, связанные с Венгрией: кантата “Венгрия”,

симфоническая поэма “Венгрия”, героический марш в венгерском стиле, несколько

тетрадей национальных венгерских и рапсодий, а также ещё 19 венгерских

рапсодий, “Венгерская коронационная месса”.

Лист был страстным пропагандистом идеи программности в музыке. Он воплотил в

музыке образы произведений Данте, Петрарки, Гёте. Он передавал в музыке и

содержание живописи Рафаэля (“Обручение”), скульптуры Микеланджело

(“Мыслитель”). Лист – композитор-новатор. В связи с программностью он

переосмыслил классические жанры и формы и создал свой новый жанр –

симфоническая поэма. Симфоническая поэма – одночастное симфоническое

произведение, которое сочетает в себе черты цикличности и других форм,

например сонатной. У Листа 13 симфонических поэм. Метод развития материала в

них монотематический (из одной темы вырастают другие). Музыка Листа

отличается особой патетикой, приподнятостью, ораторским пафосом, т.к. он

всегда пытался воздействовать на большую массу людей. Большинство его

произведений – произведения для фортепиано. “Годы странствий” – это

фортепианный цикл из программных пьес. В нем 3 части: “Год первый” –

Швейцария, “Год второй” – Италия, “Год третий” - Рим.

Лист написал 13 симфонических поэм. Почти все они написаны в центральный

Веймарский период. В этом жанре он обращается к шедеврам мировой литературы.

У Листа есть симфонические поэмы - “Орфей”, “Гамлет”, “Тассо”, “Что слышно на

горе?”, “Мазепа”, “Прелюды”.

Лист – создатель жанра симфоническая поэма. Это – одночастное произведение

для симфонического оркестра, в котором сочетаются черты разных форм,

например, сонатной и циклической формы. Это – программное произведение.

Программность эта более обобщенная, а не сюжетно-описательная, как у

Берлиоза. В центре всегда один герой - героическая личность. Заканчиваются

симфонические поэмы обычно апофеозом. Наличие одного главного героя рождает

принцип монотематизма. Все темы симфонической поэмы происходят из первой

начальной темы. Преобразование тем часто жанровое. Например: менуэтные,

маршеобразные, ноктюрновые и т.д.

“Прелюды” – симфоническая поэма. Программой служит стихотворение Ламартина с

одноименным названием – “Прелюды”. Смысл в том, что земная жизнь человека

является лишь прелюдией к основной – небесной жизни. Человек проходит через

жизнь, встречая радости и невзгоды, и уходит на небо. Лист выразил в поэме

этапы земной жизни человека.

Морис Равель(1875—1937)

Французский композитор. В 1889—1905 занимался в Парижской консерватории , в

т. ч. у Ш. В. де Берио (фортепьяно), Г. Форе (композиция). Художник высокой

культуры, Равель уделял особое внимание французской литературе (как

классической, так и современной) и живописи (увлекался импрессионистами). Он

проявлял большой интерес к фольклору (французскому, испанскому и др.).

Существенное место в творчестве занимает испанская тематика (мать Равеля —

испано-баскского происхождения ; его педагог Берио был почитателем испанского

искусства). Многое воспринял Равель от музыки Э. Шабрие, Э. Сати, особенно К.

Дебюсси, а также русских композиторов — А: П. Бородина, Н. А. Римского-

Корсакова и особенно М. П. Мусоргского (работал совместно с И. Ф. Стравинским

над партитурой «Хованщины» для постановки оперы в Париже, оркестровал

«Картинки с выставки», в опере «Испанский час» Равель , по его собственным

словам, наследовал принципам «Женитьбы» Мусоргского).

Равель давал концерты как пианист и дирижёр, исполнял преимущественно свои

сочинения (в 20-х гг. совершил концертное турне по странам Европы и Северной

Америки), выступал с музыкально-критическими статьями. Во время 1-й мировой

войны 1914—1918 вступил добровольцем в действующую армию. Война вызвала к

жизни глубоко драматические произведения Равеля , в т. ч. фортепьянный

концерт для левой руки, написанный по просьбе австрийского пианиста П.

Витгепштейна, потерявшего на фронте правую руку; погибшим друзьям он посвятил

фортепьянную сюиту «Гробница Куперена» (1917). В последние годы жизни из-за

тяжёлой прогрессирующей болезни (опухоль мозга) прекратил творческую

деятельность.

Ярчайший представитель мировой музыкальной культуры 1-й половины 20 в.,

Равель продолжил и развил искания Дебюсси в области импрессионистической

звукописи, колористической гармонии и оркестровки, экзотической ритмики.

Вместе с тем в ряде произведений проявились неоклассицистские тенденции. В

творчестве Равеля представлены разнообразные жанры: «Испанская рапсодия»

(1907), «Вальс» (1920), а также Болеро (1928) для оркестра — одна из вершин

французского симфонизма 20 в., опера «Испанский час» (1907), опера-балет

«Дитя и волшебство» (1925) и др. Равелю подвластна стихия танцевальных ритмов

разных времён, что нашло отражение в «танцевальных» сочинениях — балет

(хореография, симфония) «Дафнис и Хлоя» (на либретто М. М. Фокина, 1912),

Болеро, «Благородные и сентиментальные вальсы» (для фортепьяно , 1911) и др.,

а также в таких произведениях , как Соната для скрипки и фортепьяно (2-я

часть — блюз), опера «Дитя и волшебство» (фокстрот Чайника и Чашечки) и др.

Творчество , открытия Равеля в области гармонии, ритма, лада, оркестровки

привели к новым стилистическим течениям в музыкальном искусстве 20 в. В 1975

в Лионе открыт концертный зал «Аудиториум М. Равеля».

Сочинения:

оперы-

Испанский час (L'heure espagnole, комическая опера, либретто М. Франк-Ноэна,

1907, поставлена 1911, театр "Опера комик", Париж), Дитя и волшебство

(L'enfant et les sortilиges, лирическая фантазия, опера-балет, либретто Г. С.

Колет, 1920-25, поставлена 1925, Монте-Карло);

балеты-

Дафнис и Хлоя (хореографическая симфония в 3 частях, либретто М. М. Фокина,

1907-12, поставлен 1912, театр "Шатле", Париж), Сон Флорины, или Матушка-

гусыня (Ma mire l'оуе, на основе фортепианных пьес того же названия, либретто

P., поставлен 1912 "Театр искусств", Париж), Аделаида, или Язык цветов

(Adеlaide ou Le langage des fleurs, на основе фортепианного цикла Благородные

и сентиментальные вальсы, либретто P., 1911, поставлен 1912, театр "Шатле",

Париж).

Франц Шуберт 1797 - 1828

Шуберт относится к первым романтикам (заря романтизма). В его музыке ещё нет

такого сгущённого психологизма, как у более поздних романтиков. Это

композитор – лирик. Основа его музыки – внутренние переживания. Передаёт в

музыке любовь и многие другие чувства. В последнем произведении главная тема

– одиночество. Он охватил все жанры того времени. Внёс очень много нового.

Лирическая природа его музыки предопределила его главный жанр творчества –

песню. У него более 600 песен. Песенность повлияла на инструментальный жанр

двумя путями:

Использование песенных тем в инструментальной музыке (песня “Скиталец” стала

основой фортепианной фантазии, песня “Девушка и смерть” стала основой

квартета).

Проникновение песенности в другие жанры.

Шуберт – создатель лирико-драматической симфонии (неоконченной). Тематизм

песенный, изложение песенное (неоконченная симфония: I-я часть – г.п., п.п..

II-я часть – п.п.), принцип развития – форма, как и у куплета, законченная.

Это особенно заметно в симфониях и сонатах. Кроме лирической песенной

симфонии он ещё создал эпическую симфонию (C-dur). Он – создатель нового

жанра – вокальной баллады. Создатель романтической миниатюры (экспромты и

музыкальные моменты). Создал вокальные циклы (у Бетховена был к этому

подход). Творчество огромно: 16 опер, 22 фортепианных сонаты, 22 квартета,

другие ансамбли, 9 симфоний, 9 увертюр, 8 экспромтов, 6 музыкальных моментов;

музыка, связанная с бытовым музицированием – вальсы, ленглеры, марши, более

600 песен Вокальный циклЫ “Прекрасная мельничиха”, «Зимний путь», Шуберт

написал 9 симфоний. При жизни ни одна из них не была исполнена. Он является

основоположником лирико-романтической симфонии (неоконченная симфония) и

лирико-эпической симфонии

Роберт Александр Шуман1810 - 1856

Относится ко 2-му поколению романтиков. Ещё острее чувствовал разницу между

тонкой, чувствительной натурой художника и окружающим миром. Он всю жизнь

восставал против мещанства. Это проявляется и в музыке. Музыка Шумана

отличается особо острым психологизмом, глубоко проникает в состояние души

человека. Он очень тонко отразил в музыке смену этих состояний. У него

присутствует непосредственное соприкосновение страстного порыва и погружения

в мир грёз. Во многом он отразил свойства своей натуры – двойственность.

Важное свойство музыки Шумана – фантазия, но это – не народная фантастика, а

как бы мир его души, видения, грёзы, очень индивидуализированная. Это

проявляется и в музыкальной критической деятельности. Он был очень одарён в

области литературы. Писал романы, повести, а также статьи в жанре новеллы,

пьесы, писем, диалогов и другие произведения. Героями этих статей были очень

необычные персонажи. Он придумал для себя “Давидово братство” – общество. Его

члены – давидсбюндлеры. Туда он включил Моцарта, Паганини, Шопена, а также

Клару Вик (его жену), а также: Флорестан и Эвзебий. Флорестан и Эвзебий – это

выдуманные имена (это – как бы две половины его личности, которые спорили

между собой). Он использовал их, как псевдонимы. Маэстро Раро мирил

мечтательного Эвзебия и бурного Флорестана.

Шуман поддерживал всё лучшее в искусстве. Он первый заговорил о Шопене,

поддержал Берлиоза, писал статьи о Бетховене. Последней его статьёй была

статья о Брамсе. В 1839 г. он отыскал симфонию Шуберта – C-dur и исполнил её,

а в 50-м году стал одним

из организаторов Бетховенского общества. Творчество Шумана связано с немецкой

романтической литературой. Его любимый поэт – Жанн Поль (настоящая фамилия –

Рихтер). Под впечатлением от произведений этого писателя была написана пьеса

– “Бабочки”. Любил поэта Гофмана. Под влиянием его произведений была написана

“Крейслериана”. Большое влияние оказал Гейне. На его стихи были написаны

вокальные циклы – “Круг песен” и “Любовь поэта”.

Шуман любил использовать в своих произведениях карнавал (потому, что есть

смена персонажей). Музыкальный язык Шумана очень тонкий. Связь с народной

музыкой не такая, как у Шуберта. Нет явного примера. Мелодии более

декламационные. Усложняется гармонический язык. Фактура тонкая,

мелодизированная и полифоническая. Ритм капризен, прихотлив.

Шуман написал много произведений: около 50 сборников пьес для фортепиано,

вариации на тему Абегг, “Бабочки”, “Карнавал”, симфонии, этюды, “Танцы

давидсбюндлеров”, фантастические пьесы, “Крейслериана”, “Венский карнавал”,

новеллетты и др., 3 сонаты для фортепиано, фантазия, более 200 песен,

вокальные циклы: “Любовь поэта”, “Круг песен” на Гейне, “Мирты”, “Круг песен”

на стихи Эйхендорфа, “Любовь и жизнь женщины” на стихи Шамиссо, испанские

любовные песни, песни из “Вильгельма Мейстера” (Гёте), 4 симфонии, концерты

для фортепиано, виолончели и скрипки с оркестром, концерт Штюк для фортепиано

с оркестром, концерт Штюк для 4-х валторн с оркестром, 3 струнных квартета,

фортепианный квартет, фортепианный квинтет, 3 фортепианных трио, 2 сонаты для

скрипки, другие камерные ансамбли, оратория “Рай и Перри”, опера “Геновева”,

музыка к драматическим спектаклям, около 200 критических статей – избранные

статьи о музыке и музыкантах.

СКРЯБИН Александр Николаевич (1871/72—1915) —русский композитор, пианист,

педагог. Его отец был дипломатом, мать — пианисткой. Учился в Московском

кадетском корпусе (1882—89). Музыкальное дарование проявилось рано. Брал уроки

(фортепьяно) у Г. Э. Конюса, Н. С. Зверева. В 1892 окончил Московскую

консерваторию по классу фортепьяно у В. И. Сафонова, занимался также у С. И.

Танеева (контрапункт) и А. С. Аренского (композиция). Концертировал в России и

за рубежом, был выдающимся исполнителем собственных сочинений . Существенную

поддержку оказал ему М. П. Беляев (издавал сочинения молодого композитора,

субсидировал его концертные поездки). В 1904—10 (с перерывом) жил и работал за

рубежом (в европейских странах, гастролировал также в США). Занимался

педагогической деятельностью : в 1898—1903 профессор (класс фортепьяно)

Московской консерватории , одновременно преподавал в музыкальных классах

Екатерининского института в Москве. Среди учеников: М. С. Неменова-Лунц, Е. А.

Бекман-Щербина.

Скрябин — один из крупнейших представителей художественной культуры конца 19

— начала 20 вв. В творчестве представлены фортепьянные и симфонические жанры.

В 90-х гг. созданы прелюдии, мазурки, этюды, экспромты, 1—3-я сонаты для

фортепьяно , концерт для фортепьяно с оркестром, в 1900-х гг. — 3 симфонии,

4—10-я сонаты и поэмы для фортепьяно (в т. ч. «Трагическая», «Сатаническая»,

«К пламени»), а также такие симфонические произведения , как «Поэма экстаза»

(1907), «Прометей» («Поэма огня», 1910) —этапное сочинение позднего периода

творчества. Музыка Скрябина отразила бунтарский дух своего времени,

предчувствие революционных перемен. В ней соединились волевой порыв,

напряжённая динамическая экспрессия, героическое ликование, особая

«полётность» и утончённая одухотворённая лирика. В творчестве Скрябин

преодолел идейную противоречивость, свойственную его теоретическим

философским концепциям (около 1900 Скрябин стал членом московского

Философского общества, занимал субъективно-идеалистические позиции).

Произведения Скрябина , воплотившие идею экстаза, дерзновенного,

устремленного к неведомым космическим сферам порыва, идею преобразующей силы

искусства (венцом таких творений, по мысли Скрябина , должна была стать

«Мистерия», в которой объединяются все виды искусства — музыка, поэзия,

танец, архитектура, а также свет), отличаются большой степенью

художественного обобщения, силой эмоционального воздействия. В творчестве

Скрябина своеобразно сочетаются позднеромантические традиции (воплощение

образов идеальной мечты, пылкий, взволнованный характер высказывания,

тяготение к синтезу искусств, предпочтение жанрам прелюдии и поэмы) с

явлениями музыкального импрессионизма ( тонкий звуковой колорит), символизма

(образы-символы: темы «воли», «самоутверждения», «борьбы», «томления»,

«мечты»), а также экспрессионизма. Скрябин — яркий новатор в области средств

музыкальной выразительности и жанров, в поздних сочинениях основой

гармонической организации становится доминантовая гармония (наиболее

характерный тип аккорда—т. н. прометеевский аккорд ) . Он впервые в

музыкальной практике ввёл в симфоническую партитуру специальную партию света

(«Прометей»), что связано с обращением к цветному слуху.

Творчество Скрябина оказало существенное воздействие на фортепьянную и

симфоническую музыку 20 в. Получили дальнейшее развитие идеи синтеза музыки и

света. В 1922 в помещении последней квартиры Скрябина в Москве организован

музей.

Сочинения:

для оркестра -

3 симфонии (№ 1 E-dur, ор. 26 1899- 1900; № 2 c-moll, op. 29, 1901; .№ 3

Божественная поэма с-mоll, op. 43, 1903-04), Поэма экстаза (С-dur, ор. 54,

1905-1907), Прометей (Поэма огня, op. 50, 1909-10), пьесы для симфонического

оркестра- Симфоническое Allegro (без ор., 1896-99, нe окончено, издано

посмертно под названием Симфоническая поэма), Мечты (Reverie, ор. 24, 1898),

скерцо (для струнного оркестра, без ор., 1899), Andante (для струнного

оркестра без ор., 1899);

для фортепьно с оркестром -

концерт (fis-moll, op. 20, 1896-97), фантазия (без ор., 1888-89, издано

посмертно);

для фортепьно-

10 сонат

ШОПЕН (Chopin) Фридерик (1810—49) — польский композитор, пианист.

Первоначальное музыкальное образование получил у В. Живного, затем обучался под

руководством Ю. Эльснера в Высшей музыкальной школе в Варшаве. На формирование

мировоззрения композитора оказали влияние борьба за независимость Польши

(восстание под рук. Т. Костюшко в 1794, в котором принимал участие отец

композитора — Николай Шопен, выходец из Франции), а также идеи польского

литературного романтизма (К. Бродзиньский, А. Мицкевич, Ю. Словацкий). Рано

проявившаяся гениальность композитора и пианиста (первые полонезы издавались в

1817) развивалась в творчески насыщенной атмосфере предреволюционной Варшавы,

где Шопен усваивал опыт польских композиторов (Ф. Островского, М. Шимановской,

М. Огиньского и др.) и венской классической школы. В ранних произведениях

органично использованы обработки народной мелодий (Большая фантазия на польские

темы B-dur для фортепьяно с оркестром ), освоены жанры фортепьянных миниатюр (в

т. ч. ноктюрн ), а также крупные формы (соната для фортепьно № 1, фортепьянные

трио). Вершины раннего периода — 2 концерта для фортепьяно с оркестром. Шопен -

виртуоз получил признание в Вене, где выступал с концертами в 1829 и 1830—31.

После поражения польского восстания (1830—31) Шопен связанный с участниками

восстания, не смог вернуться на родину и остался до конца жизни в Париже, куда

прибыл осенью 1831. Париж обогатил его новыми впечатлениями литературной ,

художественной и музыкальной жизни (знакомство с Г. Гейне, Ж. Санд, А. Мюссе,

Страницы: 1, 2, 3, 4, 5, 6, 7